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Durant toutes mes années de pratique, d’enseignement et de conseil à des pianistes, j’ai identifié un frein énorme à toute progression.
Je vous laisse le découvrir dans ce podcast. Vous pouvez aussi me retrouver sur iTunes podcast et laissez-moi un avis. Cela m’aide beaucoup à faire connaitre ma chaine et mon blog.
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Aujourd’hui il est question de ne plus perdre ses moyens devant son professeur, ses amis. De pouvoir enfin jouer à l’extérieur de chez soi sans être complètement perdu au point de ne plus reconnaitre le clavier.
Devenir capable de chercher soi-même des doigtés pour le morceau qu’on est en train d’apprendre est une libération pour le pianiste. En effet il n’est plus dépendant d’un professeur ou d’une édition particulière. Au cours de mes dizaines d’années de pratique et d’enseignement, j’ai appris et repéré des astuces, des règles de savoir faire précieuses sur ce sujet. Je vous en livre ici quelques-unes.
Je rappelle pour ceux qui ne le sauraient pas, qu’un doigté est un petit chiffre au dessus ou en dessous de la tête de note qui indique quel doigt doit jouer la note. On compte de 1 à 5 en partant du pouce aux deux mains.
Cet article fait suite et approfondit le précédent article “Introduction à l’art du doigté”, que je vous invite à lire si ce n’est pas déjà fait.
Devenir un expert en recherche de doigtés demande d’accepter de tester avant d’adopter et donc d’apprendre (ou plus exactement au même moment, comme nous allons le voir plus loin). Souvent on va répéter un morceau sans vérifier que les doigtés nous conviennent. C’est dommage car on se prive de la possibilité d’apprendre de manière active et donc bien plus efficacement.
N’oubliez pas non plus qu’essayer un doigté c’est essayer le geste auquel il correspond, comme je l’ai expliqué dans mon article sur l’introduction aux doigtés.
Mais pour bien essayer il faut respecter certaines règles qui vont vous paraitre contre-intuitives :
Petite parenthèse :
Oui oui je sais… je vous entends déjà dire : ” mais je peux pas le jouer encore mains ensembles et au tempo puisque je commence à l’apprendre ! ” Ce à quoi je vous répond bien sûr ! Vous ne pouvez pas jouer le morceau avant de savoir le jouer. C’est une évidence. Cependant, lorsque vous cherchez le doigté, vous n’êtes pas sur l’ensemble du morceau, mais seulement sur quelques notes. En tout cas je l’espère pour vous car ce ne sera pas très productif. Donc il est toujours possible de jouer les deux mains ensembles et au tempo un micro-passage, un mot, une syllabe musicale.
Alors pourquoi mains ensemble ? Parce que le jeu de l’autre main peut considérablement changer la donne en terme de coordination. Il arrive que l’on trouve un doigté très bien à une main lorsqu’elle est seule, mais que ça ne fonctionne pas bien si l’autre joue simultanément. Certains enchainements simultanés posent des difficultés de mauvaise association.
Là également vous ne pouvez pas jouer le morceau à la vitesse puisque vous ne le connaissez pas encore. Mais vous pouvez surement faire de minuscules parties (des mots ou des syllabes musicales). L’important est d’avoir l’élan, l’énergie du tempo final pour avoir le bon geste et chercher le son approprié.
Loin d’être une perte de temps, la recherche du doigté par la personne qui va réellement jouer le morceau est un cadeau qu’il se fait. Il s’offre les bénéfices d’une démarche active. Lorsqu’il laisse son professeur chercher pour lui, et surtout sans lui, et qu’il n’essaie pas de comprendre le pourquoi de tel ou tel doigté, il se tire une balle dans la main. Je pense que l’idéal est que l’élève cherche un peu par lui-même puis qu’une personne plus expérimentée que lui ai un regard sur ce qu’il propose. Une discussion sur pourquoi celui-ci ou celui-là est indispensable pour rendre le futur pianiste autonome… mais je m’éloigne là vers mes opinions de pédagogue, ce qui n’est pas le sujet premier de cet article.
Etre actif donc vous permet de créer une relation émotionnelle avec le passage travaillé. Or tous les spécialistes de la mémoire vous le diront, pour qu’il y aie mémorisation, il faut qu’il y aie de l’émotion. Le fait de faire une recherche le meilleur doigté pour vous et ce que vous souhaitez obtenir comme son va vous faire apprendre le passage par cœur sans même que vous ayez à faire le moindre effort conscient en ce sens.
Donc ne pas séparer la recherche de doigtés du travail d’apprentissage est un facteur clé. Les deux doivent absolument été fait simultanément. En testant vos doigtés, vous regardez vos doigts, vous ressentez, vous écoutez, et en faisant cela vous êtes déjà en train de répéter non ? l’apprentissage a donc déjà commencé. Vous vous appropriez le morceau, vous devenez plus que simple exécutant, vous prenez réellement part à la création de l’oeuvre entre vos doigts.
Jusqu’à présent nous avons parlé de la recherche. Un fois que le doigté est choisi, la pratique et l’expérience de ce doigté doit confirmer qu’il est bon. La plupart du temps tout va bien, mais il peut arriver qu’il y aie besoin de revenir sur ce choix.
Ce qui doit vous alerter, c’est quand un passage ne passe toujours pas bien au bout de quelques jours de pratique. Il est important dans ce cas d’accepter de remettre en cause le choix de doigtés. N’oubliez jamais qu’apprendre un morceau n’est pas une histoire intellectuelle. C’est de votre pratique, de votre expérience du morceau dont il s’agit. Comme la relation qu’on peut avoir avec une personne. Parfois tout se passe bien, et parfois il y a des difficultés, des heurts. Et là on se doit de rester flexible, changer de façon de faire, se remettre en question. Pour les passages techniques qui ont du mal à passer ou à rentrer dans votre mémoire, remettre en question le doigté peut être une bonne première étape.
Un doigté particulier est la plupart du temps choisi plus pour les besoins de ce qui va être joué, plutôt que ce qui vient d’être joué. Il anticipe ce qui arrive après. Donc si une proposition vous semble bizarre, lisez la suite car son pourquoi s’y trouve certainement. Mais là on retrouve encore l’importance de la lecture à l’avance, la vision globale du mot ou de la phrase musicale comme en déchiffrage.
Une bonne astuce parfois lorsqu’on a du mal à trouver un doigté est de partir à reculons. Ceci notamment lors des traits techniques.
Un bon doigté doit permettre d’anticiper tout ce qui peut l’être. Il oriente la main, le(s) doigt(s) dans la bonne direction pour rendre la suite plus confortable, plus simple de conception.
Lui aussi il anticipe
Lorsque vous avez dans le même morceaux deux passages à l’identique mais transposés, il peut être utile de trouver un doigté qui aille pour les deux, ce qui évitera des problèmes de mémoire.
Pour ceux qui le ne savent pas, la transposition est le fait de reproduire à l’identique une mélodie, un accompagnement, de manière partielle ou complète mais en partant d’une autre note ou tonalité de départ.
Là je vous entends dire peut-être : oui mais est-ce vraiment important ?
oui ça l’est, en tout cas d’être prévenu que ça l’est 🙂 car vous pourriez un jour vous mettre à faire des fausses notes dans l’un des deux passages sans comprendre pourquoi… je vois ça régulièrement. C’est votre mémoire kinesthésique qui vous joue des tours. Sans que vous vous en rendiez vraiment compte votre main reproduit (ou est tenté de reproduire) la séquence de doigté de l’autre passage.
Bien sûr ce n’est pas toujours possible, car la transposition a une fâcheuse tendance à mettre des touches noires à des endroits différents ce qui oblige à déplacer la position des pouces (on évite le plus souvent de les mettre sur ces touches). Mais pas toujours ! Et parfois il peut-être préférable de mettre un pouce sur touche noire plutôt que de risquer une confusion.
Maintenant pour mettre en pratique tout ce qui a été dit précédemment, il y a un pré-requis indispensable…
Une bonne lecture permet de savoir exactement où l’on en est sur la partition. De transformer le cerveau en véritable dirigeant des opérations et la partition devient le tableau de bord, le repère qui vous sauve de l’aléatoire, de la confusion. Combien de pianistes amateurs se laissent entraîner par leur doigt et leurs automatismes sans été capables de pointer du doigt sur la partition l’endroit, la note exacte qu’ils sont en train de jouer…
L’effet pervers de la chose, c’est qu’ils sont prisonniers d’un automatisme sans fin qui les empêchent d’apprendre véritablement, de connaître dans leur cœur (par cœur pour de vrai) leur morceau dans les moindres recoins. Ce par cœur qui ne craint pas le changement de piano, la mouche qui passe ou la présence d’une tierce personne. Vous voyez de quoi je parle ? 🙂
Près à expérimenter ? Alors à vos partitions !
Sortez vos crayons ET vos gommes, écrivez, raturez, gommez, testez, jouez, régalez et … lisez lisez lisez…
Si cet article vous a ouvert des horizons, partagez-le sur les réseaux et à tous vos amis pianistes. A bientôt !
Pour tout pianiste qui lit des partitions, la question du doigté fini toujours par se poser. En effet, il ne suffit pas de savoir quelle note il faut jouer, à quel rythme et avec quelles nuances. Encore faut-il savoir avec quels doigts il faut les jouer. Et c’est ce qu’expérimente de manière criante tout apprenti pianiste qui tente l’apprentissage des morceaux à partir de tutoriels vidéo de type Synthésia.
Les doigts n’y étant pas indiqués ni organisés par groupes, le pianiste se retrouve à exécuter une succession de gestes très inconfortables qui produisent une succession de sons privés de lien, et trahissent complètement la pensée musicale à l’origine du morceau. L’étudiant a d’autre part bien du mal à mémoriser son morceau car il ne voit pas les gestes qui relient les notes entre elles.
Mais avant toute chose rappelons-nous ce qu’est un doigté : il s’agit du chiffre noté par l’éditeur, l’auteur (plus rarement) ou l’interprète à proximité d’une note et qui indique quel doigt doit abaisser celle-ci.
Il est en général indiqué uniquement lorsque la main sort de la position de base 5 doigt/5 touches. Il est donc d’usage d’indiquer le doigté de :
Le fait de ne pas indiquer les doigts à chaque note est aussi important que les doigtés eux-même. Les intervalles vides entre chaque doigtés permettent de mettre en évidence tous les changements de position et de comprendre le geste global sous-jacent.
Le doigté n’est que la partie visible de l’iceberg. Ce qui n’est “pas dit” est encore plus important. Le pianiste doit toujours chercher le geste qui se cache derrière un doigté. Celui qui permet de fabriquer le son souhaité à cet endroit. Ce geste global est exécuté par l’ensemble du bras.
C’est pour cette raison que certains doigtés peuvent paraitre complètement illogique pour le pianiste inexpérimenté.
Un doigté = un geste global pour un son précis.
Et ce geste n’est pas indiqué sur une partition. C’est à vous d’être en capacité de le trouver, de décoder les différents indices comme les doigtés, mais aussi les ponctuations et articulations. C’est pour cela qu’il est important de toujours tester un doigté avant de le rejeter en bloc comme “pas pratique”. S’il a été écrit là c’est qu’un pianiste expérimenté l’a trouvé bon pour effectuer un geste nécessaire.
Dans tous les types de doigtés qui existent, j’en distingue trois familles différentes. Je les ai listés par ordre de difficultés et donc par ordre aussi d’arrivée dans la progression méthodique d’un pianiste.
Le doigté logique est le premier qu’on aborde au piano, le plus connu et le plus évident pour tous. Il est lié à la position 5 doigts/5 touches. Chaque doigt est associé à une touche de manière logique et mathématique. Donc si l’on est sur un pouce (1) à la main droite et que l’on doit jouer la touche d’à coté, on devra la jouer avec l’index (2). Et si l’on doit sauter ensuite une note à une intervalle de tierce, on la jouera avec l’annulaire (4). Je ne m’attarde pas sur ce type car il est en général sans aucune difficulté de compréhension.
Mais dès que l’on doit changer de position car l’on a plus de 5 notes à jouer, nous sommes déjà obligés d’utiliser des doigtés physiologiques.
Un bon exemple de ce type de doigté est celui des gammes. C’est l’arrivée du passage du pouce sous la main qui permet le déplacement de celle ci un peu plus haut ou un peu plus bas. Il est aussi très logique mais plus du coté anatomique que mathématique. Le pouce étant plus court, il est confortable de lui éviter les touches noires. Il permet d’adapter au mieux la main et son anatomie au relief du clavier. Il rend confortable le chemin à parcourir de la main.
On retrouve aussi la même logique dans un doigté moins connu : celui qui fait passer le 4 par dessus le 5 en se dirigeant vers une touche noire en venant d’une blanche qui lui est conjointe. Encore faut-il, pour être à l’aise, accompagner le geste avec le bras.
Les doigtés logiques et physiologiques s’entremêlent en permanence et sont les plus connus.
C’est là qu’il y a le plus de diversité et de complexité. Beaucoup de doigtés qui paraissent illogiques et tirés par les cheveux au premier abord sont à classer dans cette catégorie. Ce sont cependant les plus intéressant. Ce type de doigté favorise le son que l’on veut obtenir, plus que ne vous arrange… n’oubliez pas que nous ne sommes pas là pour servir notre petite personne ou nos intérêts, mais pour créer le timbre, la dynamique et les sentiments que la musique exige. Et là, plus de logique, plutôt de l’expérience, des tests et de l’écoute.
“Avec ce doigt ou cet enchainement de doigts, est-ce que j’ai le son que je souhaite ?” voilà la phrase qui devra vous obséder !
Certains peuvent être en même temps de plusieurs catégories. Et bien sûr que si votre doigté peut appartenir aux trois, c’est l’idéal. Il sera à la fois facile à retenir, confortable et musical.
C’est le cas par exemple du fait de répéter plusieurs notes avec des doigts différents, souvent pour favoriser à la fois un élan du bras, éviter la crispation et permettre une progression de dynamique malgré la répétition.
On peut voir également un pouce demandé sur une touche noire pour favoriser un appui musical ou une meilleure accroche de la touche après un déplacement.
La substitution est un doigté à but musical également. Il s’agit de deux doigtés qui se suivent au dessus de la même note et qui sont reliés par une petite liaison (voir image ci-dessous). Elle permet de lier plus facilement certaines mélodies et sont particulièrement utiles dans les polyphonies (plusieurs mélodies simultanées à la même main).
Il en existe une multitude qui sont autant de “tours de mains” que doit connaitre et apprendre le pianiste, ou devrais-je dire plutôt des “tours de doigts”. C’est ce qui peut s’appeler aussi, comme en artisanat, le “savoir faire”. Je ne peux tous les citer ici, mais il vous faut apprendre chacun d’eux au cours de vos morceaux. Voilà pourquoi il est important de ne pas vous arrêter à la première impression inconfortable d’un doigté dit “bizarre”. Ne pas pré-supposer que l’auteur a reçu un coup sur la tête ce jour là ou a trop bu de whisky. La plupart sont des petits outils à garder à l’esprit dans chaque recherche de doigtés pour pouvoir s’en servir en cas de besoin.
Deux outils sont particulièrement indispensables à un pianiste et ne devraient jamais quitter son piano : le crayon à papier et la gomme. Quoi de plus facilement effaçable que le crayon à papier. Instrument idéal du test, de l’expérimentation, du travail de brouillon, et surtout !!!!….. du droit à l’erreur… grâce à lui et à sa coéquipière la gomme, on peut prendre le temps d’essayer un doigté pendant plusieurs jours puis décider qu’il n’est pas bon et en changer. Et puis finalement pourquoi pas revenir dessus en fin de compte ?… seul l’expérience du morceau sur le long terme le dira.
Et c’est là la plus grosse erreur que font la plupart des pianistes en apprentissage. Ils n’accepte pas de passer du temps à chercher, tester et modifier si besoin un doigté. Qu’il soit écrit ou non sur la partition, vous devez pouvoir remettre en question un doigté. Et en plus cette démarque active de recherche aura l’effet collatéral d’accroitre considérablement la solidité de votre mémoire du passage en question. Avantage non négligeable, vous en conviendrez !
Sur tablette numérique pas d’excuses pour ne pas indiquer ou modifier un doigté ! Les stylets permettent maintenant très bien de faire la même chose qu’un crayon à papier, et même parfois mieux puisque l’on peut parfaitement effacer le doigté de l’édition d’origine pour y mettre le sien à la place.
Bien sûr il est important d’avoir un bonne base de départ, une partition issue d’une édition de qualité. Méfiez-vous des partitions écrites par des non professionnels disponibles parfois sur internet… on peut trouver du très bon comme du pas terrible. Si vous n’avez pas de pianistes plus expérimentés que vous à qui demander, mieux vaut choisir une édition ayant pignon sur rue.
Les doigtés qui sont sur les partitions des éditeurs professionnels ont été choisis par un pianiste qui a une vision de la partition et une main qui lui sont propres. Il faut donc les considérer comme la proposition d’un pianiste expérimenté, qui vous permet de gagner du temps au moment de la découverte de la partition.
Mais c’est à vous ensuite de remettre éventuellement en question ces choix de « tour de main » en fonction de ce que vous voulez entendre et du geste qu’il vous faudra pour le faire entendre. Un doigtés au bout du compte reste personnel et adapté à vous.
Bien sûr, vous avez besoin d’apprendre à faire cela. L’art de mettre de bon doigtés s’apprend ! C’est pour cela qu’il est de la responsabilité d’un bon professeur de vous proposer des doigtés adaptés à vous, et de vous expliquer pourquoi il a fait ce choix pour vous. Puis au fur et à mesure de votre avancée, il devra vous laisser de plus en plus d’autonomie et mettre vos propres doigtés et les revoir avec vous. Il est important que vous compreniez les doigtés spéciaux. Leur pourquoi.
Vous devez vous dire là : mais elle vient de me dire le contraire. Non pas vraiment. Je vous invite à prendre l’habitude de lire et d’appliquer ce qui est écrit sur votre partition, même si vous avez le droit de changer ce qui y est écrit.
A partir du moment où vous avez fait le choix d’une bonne édition, vous pouvez avoir confiance dans la qualité des propositions de doigtés. Il est important de tester ceux qui sont écrits quelques jours avant de décider s’ils sont bons ou pas pour vous. Dans le cas où ils ne conviendraient pas, écrivez autre chose. Mais dans tous les cas, appliquez ce qui est écrit sur votre partition. C’est une excellente habitude à prendre de visualiser la note avec son doigté comme une seule et unique information vous indiquant le geste à exécuter. Vos yeux doivent englober le tout dans le même regard.
Voilà déjà quelques pistes, j’espère que cela vous aidera. Si ces informations vous aident, partagez cet article à vos amis pianistes.
Il est plutôt sain de se poser la question…
Est-ce utile ou est-ce une perte de temps de travailler sa technique sur des exercices ? dans cette vidéo, je réponds à cette question que se posent tous les pianistes un jour ou l’autre.
Chaîne intéressante sur le sujet :
Bonjour et bienvenue sur le blog Apprendre à jouer du piano.
Je voulais répondre aujourd’hui à des questions régulières que je reçois par e-mail ou dans les commentaires des vidéos ou sous les articles du blog.
Souvent on me pose la question :
« Est-ce que c’est utile de faire des exercices ? »
Alors c’est une très bonne question comme d’habitude. Et c’est une question qui est délicate et c’est pour ça que j’ai tant tardé à y répondre parce qu’on peut en tirer des conclusions par rapport à ma façon de penser la musique ou ma façon de penser la technique de manière générale.
Donc je vais essayer d’y répondre de manière succincte mais sachez qu’on peut toujours revenir pour préciser ce que je vais dire.
C’est quoi un exercice ?
Quelque soit le domaine, on isole une formule, on isole un élément d’un sujet et on va s’exercer dessus pour devenir familier avec cet élément.
C’est quoi la technique ?
La technique pianistique vise à pouvoir traduire au mieux les œuvres qu’on joue. Donc il faut toujours garder à l’esprit cela.
Qu’est-ce qu’on vise ?
Et c’est ça qui est toujours très délicat, c’est comment isoler des choses, comment les prendre à part, comment réfléchir, intellectualiser un élément qu’on n’arrive pas forcément à jouer, sans lui faire perdre de sa saveur.
C’est ça qui est toute la problématique du travail technique ou de l’exercice technique.
Gardez toujours bien ça à l’esprit dans ce que je vais vous dire.
D’abord, je vais certainement vous décevoir, je suis ni pour ni contre.
Ça dépend de vous. De vos objectifs. De ce que vous recherchez.
Moi j’ai des périodes où je travaille ma technique de manière isolée, et j’ai des périodes où je ne travaille que des morceaux et je travaille ma technique dans les morceaux.
Il y a des arguments pour et des arguments contre.
Petite anecdote pour moi :
J’ai commencé de manière très classique, comme vous maintenant, ce qui me suivent depuis un certain temps le savent, dans les conservatoires. On me faisait travailler le HANON. J’ai commencé l’exercice technique avec le HANON qu’on connait bien, avec :
J’avais donc travaillé un petit peu tout ça. Et ce qui s’est passé c’est qu’au début ça ne me dérangeait pas trop, je dirais même que ça m’arrangeait parce que je pouvais faire des formules, je pouvais bouger mes doigts sans forcément savoir lire.
Donc je comprenais la formule et après je le faisais de manière instinctive. Donc c’était très drôle parce que ma mère avait cru que ça me ferait travailler ma lecture et pas du tout. Moi j’étais bien contente « Elle croit que je lis, en fait je lis pas du tout ». Donc je faisais semblant de lire, je regardais, et ma mère disait « C’est bien, tu lis bien ! ». Et je ne lisais rien du tout. Je faisais tout en transposant à l’oreille.
Donc voilà pour la petite anecdote.
Plus tard, ce qui a été délicat pour moi c’est qu’à partir du moment où j’ai commencé à augmenter le temps de travail, ça commençait à devenir compliqué de tout faire.
Je me suis mise à travailler de manière trop automatique et en écoutant rien, et je faisais ça comme on pourrait de la gymnastique sans aucune conscience physique. Je me vidais complètement de ma conscience tactile.
Donc ça c’est une chose sur laquelle je voudrais vraiment attirer votre attention.
Faire des exercices pour faire des exercices en pensant à autre chose, en écoutant rien de ce qu’on fait, juste en bougeant ses doigts et sans comprendre le geste qu’on fait, c’est complètement inutile.
Il vaut mieux faire des morceaux à la place.
Moi pendant toute cette période, il se passait une chose étrange. Plus je jouais, moins j’étais échauffée.
C’est-à-dire plus je me glaçais.
Alors depuis j’ai travaillé un petit peu tout ce qui est énergétique et je me suis rendu compte que quand on se refroidit, c’est que l’énergie s’en va.
Pour moi, faire des exercices ça faisait l’inverse de ce qu’on voulait, c’est-à-dire s’échauffer.
Du coup j’ai complètement laissé tomber aussi pour cette raison-là.
Pourquoi faire des exercices ?
Mais il y a plein de façons de s’échauffer. On peut se mettre les mains sur une bouillotte. On peut se mettre les mains sous l’eau chaude. C’est une autre façon de s’échauffer. Alors ça n’échauffe pas de manière profonde mais ça permet d’avoir les mains beaucoup plus chaudes.
Si vous cherchez l’échauffement, est-ce que ça vous chauffe vraiment, est-ce que vous ne pourriez pas faire ça un petit peu plus rapidement peut-être, en vous réchauffant, en vous mettant un gros pull ou en vous mettant les mains sur le radiateur.
Et bouger dans un contexte aussi de tonalité. C’est-à-dire sentir et mettre dans sa main les différents claviers qu’on peut avoir par tonalité.
Pour moi il y a 24 claviers. Il n’y a pas un seul clavier. Parce que ça dépend dans quelle tonalité on est.
On peut avoir des mouvements qui sont différents en fonction des tonalités dans lesquelles on a les morceaux.
Ça permet donc de travailler, d’isoler, comme tout exercice, un élément physique qu’on a du mal à appréhender dans les morceaux, et en plus de le multiplier à l’infini dans tous les morceaux. Ça permet de faire un raccourci, c’est-à-dire qu’une fois que vous avez compris les gammes par exemple, dans tous les morceaux dans lesquels vous aurez des gammes vous pouvez gagner du temps.
Une fois que vous avez compris le geste de l’octave répétée, vous pouvez, dans tous les morceaux dans lesquels il y aura des octaves répétées, gagner du temps et savoir que ça c’est une octave répétée.
Donc ça permet de prendre des raccourcis. De gagner du temps.
C’est quoi les exercices d’une manière générale ?
Il y a :
Tous ces exercices-là sont ni bons ni mauvais. C’est juste savoir ce que vous cherchez. Quel est votre but en travaillant ces exercices ?
Si c’est juste pour vous exercer mais vous exercer dans l’absolu, pour moi ça ne sert à rien.
Est-ce que vous cherchez :
Il y a toujours besoin d’un but.
Je vais quand même préciser une chose pour tout ce qui est Hanon, Déliateur, toute cette période où on a fait des exercices qui étaient essentiellement en do majeur.
Attention, ils ne sont bon, à mon avis en tout cas, que si vous les transposez dans d’autres tonalités.
Ne les laissez pas en do majeur, c’est vraiment bête, c’est même néfaste parce que vous allez apprendre à rester uniquement sur le bord des touches en do majeur. Et do majeur dans les morceaux, dans le répertoire, on doit bien être dans les 5% et encore. Même dans les morceaux en do majeur vous passez régulièrement en sol majeur, en fa majeur, donc dans d’autres tonalités.
Rester pendant des mois et des mois sur des exercices en do majeur, alors là, oubliez. Mais vraiment oubliez s’il vous plait. Parce que là c’est tout à fait néfaste.
Vous n’apprenez pas du tout les gestes d’avancée dans le clavier au niveau des touches noires, les gestes de préparation des touches noires. Vous apprenez des mauvaises positions.
Il existe aussi les études :
J’en utilise certains parce que je les aime bien musicalement tout simplement.
Ceux-là sont plus avancés.
J’aime plus ceux-là.
J’utilise environ 5% de chaque méthode, de chaque livret.
Il existe aussi des exercices :
Les exercices sont intéressants aussi.
Je les aime beaucoup parce qu’il y en a beaucoup de biens.
Il y a pas mal d’exercices d’indépendance des doigts.
Qu’est-ce que vous cherchez ? Toujours pareil. Quel est le but derrière ?
Ne prenez pas, parce que je vous ai fait une liste, tel ou tel exercice en disant « Elle a dit que c’était bien, on y va ». Non non.
Qu’est-ce que vous cherchez ?
Et en dehors des études, quoi de mieux que la musique pour travailler sa technique.
Vous avez tout ce qui est :
Vous avez énormément de gammes, d’arpèges, des formules qui reviennent beaucoup. Donc travaillez vos techniques dedans.
Parce que la technique c’est quoi ?
En quoi travailler son phrasé c’est pas de la technique ? Et bien si. C’est une technique. Vous apprenez un geste pour pouvoir traduire un phrasé. Donc c’est aussi de la technique ça.
Ne restez pas uniquement à l’exercice des doigts. Non.
Ça me fait penser du coup à comment le faire.
Il y a une chose qui pour moi est une évidence, ne le faites pas de manière sourde, c’est-à-dire sans écouter ce que vous faites et en jouant fort.
L’exercice n’est pas forcément à jouer forté en se bouchant les oreilles parce que c’est moche. Non.
Ecoutez.
Si vous faites le premier exercice que j’avais travaillé avec Nathalie Tagrine, elle le faisait travailler comme si on faisait des vocalises. C’est tout à fait ça.
Vous pouvez le faire avec des rythmes et des ponctuations différentes. Amusez-vous avec ça. Mais soyez actif et cherchez un son particulier.
N’oubliez pas aussi que si c’est un élément physique que vous voulez travailler, une certaine souplesse, ou la position même, vous pouvez aussi travailler en dehors du piano des exercices qui sont purement physiques.
Vous voulez prendre conscience de vos épaules, travaillez vos épaules. C’est de la technique ça aussi.
Vous voulez travailler la souplesse du poignet, vous cherchez des exercices pour la souplesse du poignet, sur YouTube ou autre plateforme.
Vous voulez travailler l’articulation du doigt, il y a des exercices comme je vous ai mis sur ma chaine qui sont préparatoires.
Dès que vous êtes au piano, cherchez un son particulier. Variez les nuances. Variez les articulations. Pour que ce soit le plus possible tiré vers la musique.
Et surtout, je vous le rappelle, ne jouez pas trop fort.
C’est tout à fait utile de travailler des exercices pianissimo en faisant crescendo. C’est difficile de jouer piano. Ça aussi c’est de la technique.
Vous voyez c’est inégal ce que je fais.
C’est important, toujours, de chercher un son, de chercher à apprendre quelque chose. Vous n’êtes pas en train de penser au poulet qui est en train de cuire.
Il faut être bien guidé par rapport aux différentes formules qui existent de l’écriture pianistique. Il faut être informé sur le geste à faire pour telle ou telle situation. D’accord ?
Il y a beaucoup de choses qui pourraient être évitées, de blessures ou de douleurs qui pourraient être évitées tout simplement en étant bien informé sur le geste à produire pour faire telle ou telle formule.
Donc là je vous invite à vous rapprocher de vos professeurs respectifs ou de lire des livres, ou de regarder des chaines intéressantes sur le sujet.
Je vous mettrais éventuellement des liens en-dessous. Cherchez sur le blog, je vous mets souvent, quand j’ai des personnes que je trouve intéressantes, des liens sur le blog.
Moi personnellement j’aime bien travailler les gammes parce que je trouve que finalement c’est toujours la base. Et s’il y a qu’un seul exercice à garder c’est quand même bien celui-là.
Je l’ai fait tout le temps de manière différente. J’essaie de fuir la routine. Un jour je vais les faire en crescendo. Le lendemain je vais les faire en descendant et en remontant au lieu de monter et descendre. Je vais varier les mouvements, comme mouvement contraire. Je vais varier énormément les différentes dispositions et les différentes façons de les jouer.
Et il m’arrive tout à fait de mixer improvisation et exercices.
C’est-à-dire que si je veux travailler les tierces, ça peut m’arriver, j’étais sur mi bémol mineur… ce n’est pas du tout de la musique, ce n’est pas bien écrit, mais c’est juste que j’essaie de créer quelque chose, de faire autre chose à la main droite, je fais des sixtes. Je m’amuse un petit peu et je cherche un son particulier.
Je mixe improvisation, je m’amuse avec les différentes caractéristiques musicales qui peuvent exister dans les morceaux.
Petit cas particulier
Si vous êtes débutant, l’exercice pour le débutant apporte un intérêt certain, c’est que si vous arrivez à avoir une bonne mémoire gestuelle, vous pouvez assez vite travailler la vitesse sans forcément savoir lire.
Comme je vous le disais tout à l’heure pour moi, effectivement l’exercice comme Hanon ou Déliateur peuvent vous permettre de commencer à travailler un petit peu dans la vitesse mais des formules qui se répètent.
C’est compliqué de travailler la vitesse tout de suite sur les morceaux, parce que vous avez le frein qui est le déchiffrage.
Pour les débutants je trouve que c’est pas mal d’en avoir 2 ou 3 et de rouler dessus pour que vos doigts fonctionnent et commencent à prendre l’habitude d’articuler, de fonctionner un petit peu plus rapidement que sur un morceau que vous êtes en train de travailler.
Si ça vous barbe prodigieusement, que vous ne voyez absolument pas l’intérêt, que vous n’êtes pas guidé pour le faire, ne le faites pas.
Faites-le que quand vous voyez un intérêt.
Moi je pense que quand même dans les premières années l’urgence est d’apprendre comment est faite la musique, ce qu’est une tonalité, ce qu’est un accord, ce qu’est une tierce, ce qu’est une sixte. Passez plutôt du temps dessus si vraiment vous ne voyez pas l’intérêt de l’exercice et que vous n’êtes pas guidé pour ça, penchez-vous plutôt, achetez les livres ou des méthodes pour ça. Penchez-vous plutôt sur comment est faite la musique, ouvrez vos oreilles, travaillez vos oreilles.
C’est quand même bien plus important au départ. Il y a beaucoup de choses à connaitre. Travaillez vos morceaux, beaucoup de morceaux, c’est beaucoup plus utile que de passer une demi-heure vos exercices mais quel dommage ! Vous perdez plein de temps. Cette demi-heure-là vous l’auriez utilisé pour apprendre la musique, des choses qui sont beaucoup plus enthousiasmantes au début.
Et après éventuellement vous reviendrez justement sur ces éléments-là que vous avez appris. Maintenant que vous connaissez par exemple le mode majeur, pourquoi pas travailler les gammes majeures.
A mon sens c’est plus intéressant de passer par là.
N’oubliez pas que la musique c’est la créativité, c’est former son oreille. Un musicien en premier doit former son oreille.
Ne perdez pas ça de vue.
Bien sûr qu’il faut travailler sa technique. Nous avons un répertoire absolument gigantesque, d’une variété extraordinaire, pourquoi ne pas en profiter pour travailler dans les œuvres tous ces éléments-là.
Et si vous sentez qu’il y a quelque chose qui accroche, demandez-vous si vous connaissez bien le geste qu’il faut faire, et si vous le connaissez bien, vous allez de vous-même voir l’intérêt de travailler une gamme si dans telle ou telle œuvre de Chopin vous voyez des gammes que vous n’arrivez pas à faire.
Là travaillez les gammes.
A ce moment-là vous allez voir de vous-même l’intérêt. Donc c’est beaucoup plus intéressant.
Si cette vidéo vous a plu, partagez-là sur les réseaux sociaux. Et n’oubliez pas qu’il vaut mieux faire beaucoup de piano que de trainer sur les réseaux sociaux.
Au revoir ! Et à bientôt sur le blog !
Bon piano !
Avez-vous des difficultés à mémoriser vos morceaux ?
Vous regrettez peut-être ce temps où vous appreniez sans effort durant votre jeunesse ou votre enfance. Et oui, ça rentrait « comme dans du beurre ». Vous n’aviez même pas besoin d’apprendre. Vous travailliez le morceau et vous quittiez des yeux la partition a un certain stade d’apprentissage. Mais ce temps est révolu. C’est un fait.
La bonne nouvelle est que l’adulte peut toujours compenser ses manques par des stratégies ! Avant c’était donné. Maintenant c’est à vous d’aller conquérir cette mémoire. Et en faisant cela, sachez qu’elle en sera d’autant plus solide.
Maintenant, il y a certaines choses à ne pas faire, certaines erreurs que je vois couramment chez les personnes que j’accompagne. Je vous en ai sélectionné 6 que je vous dévoile ci-dessous.
Quelques remarques :
Vous allez me dire « bah oui c’est évident » mais pourtant… c’est exactement l’idée qui se cache sournoisement derrière les agissement de la plupart des pianistes inexpérimentés.
Les pianistes ayant commencé il y a plusieurs années ou dans leur enfance s’accrochent à cette mythologie qu’autrefois ils mémorisaient sans effort. Et voudrait que ça revienne ou que cela continue de la même manière. Bien sûr c’était certainement le cas, je ne dis pas le contraire. Mais maintenant, vous avez évolué musicalement et pianistiquement et vous devez donc structurer votre apprentissage avec ces nouvelles compétences. Cette “bonne mémoire” d’autrefois était une mémoire très certainement uniquement basée sur le sensoriel et kinesthésique (mémoire des mouvements et positions de vos bras et mains dans l’espace).
Cette mémoire automatique ne fonctionne que si vous avez de l’élan (un certain tempo) et que rien ne vient vous troubler ou vous déranger… et c’est peut-être même encore le cas pour vous aujourd’hui. Vous êtes bien incapable de dire quelle note vous jouez sans le soutien de votre piano sous les doigts. Et si on vous demande de jouer par coeur mais très lentement c’est la panne totale ! Il s’agit d’une mémoire bien dangereuse lorsqu’elle n’a pas l’appui des autres mémoires, comme par exemple l’analytique, la visuelle, l’harmonique etc…
Plus vous avez de connaissances, rythmiques, mélodiques, harmoniques, analytiques, plus vous allez pouvoir vous en servir pour vous approprier le morceau que vous voulez apprendre et mémoriser. C’est souvent comme ça dans la vie. Au début c’est donné, puis nous devons allez plus loin dès que nous avons des outils plus avancés.
Et cette mémoire là sera à toute épreuve. Beaucoup plus que la toute première je vous l’assure.
Que serait-il arrivé à votre avis autrefois si quelque chose vous avait troublé en plein milieu ?
Auriez-vous continué de jouer sans faillir ?
Et puis soyez honnête avec vous même aussi. Etait-ce les mêmes morceaux ou des morceaux plus faciles et moins complexes que ceux d’aujourd’hui ? … je vous laisse répondre vous-même.
Le problème principal avec cette exigence, c’est qu’elle vous décourage de manière évidente. Vous vous demandez l’impossible. Et donc vous avez ensuite une bonne excuse toute prête à prendre le relais : “ma mémoire n’est plus ce qu’elle était ma bonne dame…”. Affaire bouclée. Frustration garantie.
Je vois cela régulièrement. Des personnes qui apprennent la succession des notes mais en négligeant le paramètre indispensable à toute mémorisation, le rythme. En effet il n’y a pas de musique sans rythme, sans organisation temporelle.
Si vous apprenez uniquement les notes, sans vous en rendre compte, vous allez créer un rythme (même s’il est très basique comme des notes régulières par exemple). Vous ne pouvez faire autrement, car vous jouez des notes successivement dans le temps. Ce rythme (même si ça n’en est pas vraiment un) va être mémorisé à votre insu par votre oreille. Sans que vous vous en rendiez-compte vous apprenez un morceau qui n’existe que pour vous.
Le rythme donne son identité, son caractère à la musique. Donc si vous le modifiez, vous lui donnez une autre identité. Vous devrez ensuite ré-apprendre « un autre morceau » une deuxième fois. Ce qui veut aussi dire désapprendre votre premier travail d’apprentissage.
Cette erreur est très courante dans les premières années. Elle est la plupart du temps commise lors de l’apprentissage de la main gauche seule, ou d’une partie accompagnante isolée. Il est rare en revanche que le rythme de la mélodie soit déformé vu que c’est souvent cette dernière qui vous a attiré vers le morceau. Vous l’avez donc déjà mémorisé. Mais attention aux transitions et aux parties moins attractives et connues. Ce qui m’amène naturellement à l’erreur suivante.
Là aussi (et je m’inclue dans cette erreur) je vois cela très régulièrement. Nous nous accrochons naturellement à notre mémoire mélodique d’un côté et la main gauche suit uniquement par mémoire sensorielle et gestuelle. Mais gare au moindre doute… à la moindre fausse note ! Et la c’est la panique : “c’est quoi la prochaine basse ???” C’est le trou. On ne sait pas. Pourquoi ? Parce qu’on n’en a jamais pris vraiment conscience. Parce qu’on ne l’a jamais vraiment écouté, ni analysée.
Apprendre la main gauche seule de manière systématique sur tout le morceau en l’isolant totalement du reste est une perte de temps et d’énergie. Mais il est pour moi très utile de se demander régulièrement de jouer par cœur la main gauche du passage que vous travaillez pour en prendre conscience. Vous pouvez aussi jouer les deux mains en écoutant votre main gauche, en la regardant, quitte à troubler complètement votre main droite. Acceptez que celle-ci devienne temporairement très approximative. On ne peut pas tout faire en même temps !
Là c’est une question de simple bon sens. Vous ne pouvez pas avaler l’éléphant d’un coup. Il vous faut le manger bouchée après bouchée, comme dit le proverbe.
« Un éléphant, ça se mange une seule bouchée à la fois »
Donc dans notre cas c’est phrase musicale par phrase musicale, ou mot musical par mot musical. Découpez, découpez ! Toujours musicalement, mais découpez. Les liaisons peuvent être de bonnes indications pour cela. Les notes longues ou silences entre ces liaisons sont souvent synonymes de pause dans le discours. Donc ce sont des endroits parfaits pour vous arrêter et reprendre aux pauses précédentes.
Vous êtes nombreux à vouloir d’abord apprendre à jouer votre morceau en regardant la partition, puis apprendre par cœur dans un deuxième temps en fermant brusquement la partition.
Pour moi vous devez en profiter dès les premiers jours d’apprentissage du morceau pour exercer votre mémoire regarder vos doigt en travaillant chaque passages. Vous devez parfois même chercher « c’est quoi après déjà » et tâtonner quelques instant à l’oreille pour trouver les notes sur votre piano.
Je parle bien sûr de ces moments où vous effectuez un travail de précision sur quelques notes, une ou deux mesures comme indiqué dans le point précédent.
C’est le moment idéal, alors que vous ne savez pas encore le jouer techniquement pour chercher à améliorer votre jeu tout en regardant vos doigts. Car vous faites d’une pierre deux coups. Vous travaillez votre technique tout en mémorisant votre morceau. Votre mémoire automatique n’a pas encore commencé à se mettre en place.
Ça ne veut pas dire de se passer déjà de la partition. Elle est bien toujours là en face de vous et vous devez être capable de dire exactement où se trouve le passage que vous êtes en train de travailler. Vous vous y référez en permanence en faisant des aller et retour avec vos yeux entre la partition et vos doigts sur le clavier. Vérifier si ce que vous jouez est juste. Les consignes sont dessus. N’inventez pas autre chose :).
Lorsque vous travaillez un morceau pour l’apprendre, vous n’êtes pas en train de chercher à améliorer votre déchiffrage. Ne mélangez pas tout !
Alors là vous vous dites « elle est folle ou quoi ? Elle vient de me dire qu’il fallait apprendre tout de suite par cœur … »
Oui oui tout à fait je l’ai dit. Mais ça ne veut pas dire qu’il faut exiger de vous de pouvoir jouer le morceau par cœur dans son intégralité dès le premier apprentissage sans erreur ni coup d’œil vers la partition.
Ce que j’appelle le premier apprentissage est la première période sans arrêt sur laquelle vous vous concentrez sur l’apprentissage d’un morceau.
Pour beaucoup de spécialistes de la mémoire, il y a un ingrédient indispensable à la mémorisation : l’oubli. C’est contre-intuitif mais c’est une réalité du fonctionnement de la mémoire.
Lorsque vous faites exprès d’oublier quelque chose et que vous vous demandez de réapprendre cette même chose plus tard, votre cerveau se dit « c’est important puisqu’on revient dessus, donc il faut le mettre en mémoire à long terme ». Bon c’est un brin romancé comme histoire, mais c’est fondé sur des principes réels de la mémoire.
La première fois que vous oubliez un morceau vous l’oubliez à toute vitesse. La deuxième fois, moins rapidement, la troisième beaucoup moins et ainsi de suite, comme sur le schéma ci-dessous.
Ce que nous pouvons donc déduire de cela est que pour qu’un morceau soit inscrit de manière profonde dans votre mémoire, il faut l’avoir appris puis oublié plusieurs fois !
Et oui c’est un fait. Il faut savoir lâcher prise pour mieux y revenir.
Donc qu’attendez-vous pour oublier ?
Donc reprenez d’anciens morceaux du passé. Bonne nouvelle ! Ce ne sera pas votre premier apprentissage ! Construisez un répertoire sur vos investissements du passé. Vous avez un trésor dans votre cerveau. Vos heures de travail du passé ne sont pas perdues. Il faut juste en retrouver l’accès. Défricher devant la porte de vos acquis.
La mémoire est comme les muscles. Ça s’entraîne.
Imaginez que toute votre scolarité on vous ai demandé d’apprendre qu’une seule leçon, une seule poésie… ça vous paraît plutôt impensable n’est ce pas ? Et bien c’est ce que vous demandez a votre cerveau si vous ne voulez mémoriser que peu de morceaux dans votre vie.
Plus vous en apprendrez, plus ceux auxquels vous tenez tout particulièrement pourront compter sur une mémoire exercée donc performante. Chaque morceau appris renforce votre capacité à mémoriser, donc vous aide à consolider vos morceaux fétiches, ceux que vous voulez qui constituent votre répertoire personnel.
Enfant c’est notre travail de mémoriser. Mais qu’en est-il de l’adulte ? ça remonte à quand la dernière fois que vous avez dû apprendre quelque chose par coeur ?
Il n’est pas rare que je demande aux personnes que j’accompagne (et à moi-même aussi d’ailleurs) de jouer très lentement leur morceau. Que cela soit de mémoire ou pas d’ailleurs. C’est un test excellent que de ralentir considérablement le tempo pour testez votre mémoire. Si vous êtes capable de jouer votre morceau par coeur note à note (très très lent), je peux vous assurer que vous avez une assurance maximale contre le trou de mémoire.
Voilà. J’espère que cet article vous aidera à gouter les joies du jeu par coeur. Le plaisir de “tenir” un morceau dans ces mains, ces oreilles et disponible à tout moment. Si vous avez apprécié ce texte partagez-le avec vos amis pianistes, par mail ou sur les réseaux sociaux !
Merci d’avance de votre soutien et vos innombrables messages à chaque publication.
Comme promis dans la dernière vidéo sur les partitions numériques, je vous explique dans cette vidéo :
Pour vous procurer la même pédale bluetooth que moi. Mais ce n’est pas forcément la meilleure je vous le rappelle ! Renseignez-vous sur les différents modèles existants.
Cliquez sur ce lien pour en savoir un peu plus sur le fonctionnement et l’utilisation des trois pédales du piano.
Si vous voulez savoir comment ne pas noyer son morceaux de pédale.
Bonjour et bienvenue sur le blog apprendre à jouer du piano.
Comme promis dans la dernière vidéo dans laquelle je vous présentais les outils que j’utilisais pour numériser mes partitions, je vous présente aujourd’hui l’outil idéal pour pouvoir tourner les pages quand vous avez des partitions numériques.
Sur les partitions numériques on doit tourner les pages 2 fois plus souvent puisque c’est par page.
Donc c’est cet outil-là. L’outil de pédale Bluetooth.
Alors moi j’ai cet outil-là. Je ne prétends pas m’y connaitre en pédales Bluetooth différentes puisque je n’en ai qu’une. C’est la première que j’achète.
Je ne dis pas que celle-là est la meilleure, je vous dis juste que c’est celle-là que j’utilise.
Je l’appaire à la tablette, donc je vous montre maintenant comment ça se passe.
Donc là il y a Power. Je mets sur On. Ça clignote.
Et je vais dans mon IPad sur Réglages, Bluetooth, en général au-dessous de Wifi. Le Bluetooth doit être coché bien sûr.
Vous voyez, elle s’est immédiatement appairée. Dès que je l’ai mise en tension.
Bien sûr la première fois elle va apparaître dans la liste Connexion aux autres appareils. Et après elle est gardée en mémoire, donc elle va rester dans la liste Connexion à mes appareils. Et dès que vous l’allumez, elle s’appaire sur l’IPad.
Je vais sur ForScore.
Voilà la 1ère ballade de Chopin.
Vous voyez, je vais appuyer sur cette pédale et ça tourne. Vous voyez ?
Maintenant, si je veux aller sur la page de gauche, j’appuie sur la pédale de gauche.
Je peux donc passer à droite ou à gauche en fonction de là où j’appuie.
Vous voyez, ça marche vraiment super bien.
Petit inconvénient possible
Il faut dans un premier temps, ce qui est important aussi, c’est vous trouver un moyen pour que la pédale ne glisse pas. Parce que c’est un des inconvénients possibles.
Moi elle a des petits plots en plastique, je ne sais pas ce qu’aura la vôtre. Mais même ces petits plots en plastique, si vous avez du parquet vitrifié ou des dalles de carrelage, ça va glisser.
Si vous avez de la moquette, à ce moment-là c’est l’idéal. Mais si vous avez un sol lisse, comme la plupart des gens, là il va falloir vous trouver un moyen pour que ça ne dérape pas.
Vous pouvez acheter de l’antidérapant, il y a plein de systèmes différents, je ne vais pas vous les énumérer.
Mais vous pouvez soit mettre de l’antidérapant, soit carrément mettre du scotch double face pour éviter que ça glisse. Je vous laisse choisir. Mais il faut trouver un moyen pour que ça ne glisse pas sur le sol.
Vous voyez, j’ai un parquet qui est glissant parce qu’il est vitrifié. Donc j’ai acheté un morceau de moquette, et en dessous j’ai mis de l’antidérapant. Je vais en sorte que ce soit sur la moquette antidérapante et comme ça je peux donc avoir mes deux pieds dessus sans que ça glisse, même si je tourne mon pied à gauche ou à droite.
Ça se passe comme je vous l’ai dit, je tourne la page en appuyant sur la pédale de gauche ou de droite.
Je fais la même chose si je me mets sous mon X, parce que j’ai un clavier électronique. Donc là c’est pareil. J’emmène mon petit carré antidérapant et ça me permet de ne pas avoir ni le pied qui glisse, ni la pédale qui glisse.
Maintenant, si je suis sur le piano droit, je mets également ma pédale ici. L’avantage du piano droit c’est que la pédale ne peut pas glisser. Et en général, de mon côté en tout cas, elle ne glisse jamais sur les côtés.
Je pense que pour la plupart d’entres vous vous avez des pianos droits, donc c’est quand même la bonne nouvelle, là elle tient vraiment très très bien. Il n’y a pas de soucis.
Par contre vous allez avoir quand même votre pied, tout dépend de votre semelle bien sûr, à force de bouger le pied, je recule, il n’y a rien à faire. Donc dans ces cas-là, il faudrait prendre la petite moquette antidérapante que je mettrais devant le piano. Pour éviter surtout que mon pied, en tournant, ne glisse pas.
C’est aussi si vous avez beaucoup de reprises. Si vous n’avez pas beaucoup de reprises vous ne risquez rien du tout en restant ici comme ça.
La pression à utiliser
Dans un premier temps, moi ce que je vous conseille c’est d’apprivoiser l’enfoncement de cette pédale. Sentir quelle pression il faut mettre.
Donc entraînez-vous à tourner des pages dans le vide, sans jouer du piano, pour sentir la juste pression.
La position du pied
Et moi ce que je vous conseille, c’est d’avoir toujours le pied dessus, parce que sinon vous risquez de ne pas la trouver en cours de jeu.
Il ne faut pas, quand vous êtes en train de jouer, que vous soyez obligé de faire « Alors il est où mon pied ? » et en même temps vous jouez. Vous allez complètement troubler votre jeu.
D’une manière générale on est appuyé sur les talons. De toute façon. Les 2 pieds sont appuyés sur les talons, le poids de votre jambe est sur les talons. Et les 2 pieds sont éveillés. C’est-à-dire que vous n’êtes pas en train de les laisser aller.
Il va falloir travailler la coordination de vos 2 pieds parce qu’ils vont faire un geste différent.
Vous voyez, ce qui est important, c’est de ne pas avoir une jambe pliée vers l’arrière ou relevée vers l’avant par rapport à l’autre.
Si je mets ma pédale en arrière par rapport à mon autre pied, je ne vais pas être bien. De toute façon c’est pas bien d’avoir le talon en dessous du genou qui rentre comme ça en dessous du genou. Il vaut mieux avoir les 2 jambes bien équilibrées et surtout le talon à la même distance que le genou.
Maintenant ce qui se passe au niveau du geste.
Vous allez avoir, au niveau du temps fort, on va être obligé de soulever son pied droit sur la pédale de droite. Si vous ne comprenez pas de quoi je parle, je vous renvoie à la vidéo de la chaîne qui parle du fonctionnement de la pédale. On doit soulever son pied au premier temps.
Ce qui se passe, c’est que sur cette pédale-là, le mieux est quand même d’enfoncer sur le temps fort. Ce qui va faire qu’on va avoir un geste inversé.
Donc c’est bien de le travailler d’abord sans pédale, qui sera donc comme ceci.
Quand vous avez bien appris ce geste en dehors, vous le faites avec la pédale, ce qui donne ceci.
Alors bien sûr il ne faudra pas le faire toutes les mesures parce que vous n’avez pas de pages toutes les mesures, mais pour vous entraîner il faut faire cet exercice-là en dehors du jeu.
Parce que bien sûr sinon vous serez trop gêné par d’autres éléments.
Ensuite, quand vous êtes à l’aise, il va falloir travailler la dernière mesure de chaque page.
Et ce qu’il faut, c’est que vous le fassiez toujours en rythme. C’est-à-dire ne vous dites pas « Je vais tourner la page vers la fin mais je sais pas trop où ». Moi je vous conseille de la changer toujours en suivant le rythme.
C’est-à-dire, l’idéal pour moi en tout cas, ça a été de le positionner sur le premier temps de la dernière mesure de la page, ou le premier temps de l’avant dernière mesure de la page, en fonction de la vitesse aussi de mon morceau.
C’est pareil pour la tourne de pages quand on demande à quelqu’un de tourner les pages, il y a toujours besoin d’être un petit peu à l’avance.
Travailler chaque tourne
Donc au début sur les premiers morceaux que vous allez travailler, je vous conseille de travailler vraiment chaque tourne. Au bout d’un certain temps on n’a moins besoin de travailler chaque tourne. Mais les premiers morceaux, les premiers mois, c’est important de travailler chaque page avec la page suivante.
Maintenant si vous avez des reprises, comment ça se passe ?
Il faut bien sûr tourner à gauche. Quand on tourne à gauche, quand on revient, il faut que le pied se décale sur la gauche.
Pour pouvoir revenir sur la page précédente, j’ai donc besoin de décaler mon pied. Ce qui fait qu’il faut que je prépare mon pied le plus tôt possible. Dès que j’ai tourné ma page précédente, et tout de suite je positionne mon pied.
Vous travaillez ça dans la continuité du geste de la tourne de page précédente. D’accord ?
Donc je tourne ma page puis je mets mon pied qui se prépare. Ça se travaille.
Et vous voyez j’ai tendance à avoir le talon qui, petit à petit, recule quand je fais ça. C’est pour ça que c’est très important d’avoir un sol qui ne soit pas glissant.
Ensuite, bien sûr, une fois que vous avez fait votre prise, vous remettez votre pied sur la page d’après. Parce que sinon vous risquez, à la fin de la page suivante, de vous tromper et de tourner la page en retour au lieu de tourner la page en avant.
Ça c’est vraiment quelque chose à laquelle il faut vous habituer dans les 2 sens.
Je récapitule :
Ça fait 3 gestes à connaitre quand vous avez des reprises.
Quand vous n’avez pas de reprises c’est uniquement le geste pour passer la page.
Pour ce qui est de la pression, c’est vrai que c’est bien de garder le pied dessus, de ne pas trop lever, mais méfiez-vous. Parce que si vous vous laissez aller, vous risquez de tourner la page sans le vouloir. En cas de stress ou si avec votre autre pied vous avez des choses compliquées à faire, ou si c’est difficile techniquement, par stress vous pouvez appuyer et donc la page se tourne et c’est pas très drôle.
Il y a un petit temps d’adaptation. Donc travaillez le fait que votre pied va à gauche, il tourne la page, et il retourne tout de suite à droite, dès la première mesure.
Si vous faites des concerts, il va falloir faire attention la veille de bien charger votre pédale Bluetooth, parce que bien évidemment ça ne marche pas tout seul. Il faut la charger. Et puis ne la laissez pas allumée.
Moi j’ai fait cette bêtise une fois. J’ai laissé allumer ma pédale Bluetooth. Elle essayait de capter le Bluetooth d’autres appareils, et je l’ai trouvé déchargé le lendemain.
Donc vous la chargez et vous vous assurez qu’elle soit bien éteinte quand vous avez fini de la charger.
Là c’est pareil, quand vous jouez dans une salle que vous ne connaissez pas, emmenez toujours de l’antidérapant avec vous, ou du gros scotch de travaux, un moyen pour que votre pied ne glisse pas et que la pédale ne glisse pas.
Voilà, j’espère que cette vidéo vous aidera à vous mettre à la pédale Bluetooth.
Je vous mets en-dessous le lien vers ma propre pédale. Mais comme je vous le dis, ce n’est pas forcément la meilleure. J’ai pris celle-ci et je n’en ai pas essayé d’autres.
N’oubliez pas de vous abonner à la chaîne, d’aller faire un petit tour sur le blog pour voir des choses que vous auriez pu rater.
Bon piano et à bientôt !
Lorsqu’on a joué beaucoup de morceaux dans sa vie, qu’on veut les reprendre pour se constituer un répertoire, il devient difficile d’avoir une vision d’ensemble et d’avoir tout avec soi tout le temps.
C’est là que les nouvelles technologies interviennent !
Nous avons la possibilité de scanner très facilement tous les morceaux de notre répertoire pour les avoir sur une tablette numérique. Je vous explique dans cette vidéo comment je fais concrètement, et avec quelles applications je travaille.
Voici ci dessous les liens vers les sites dont je parle :
Le site énorme de partition gratuite IMSLP
Scannable
Forscore
Newzik et des accessoires intéressants pour le passage du pianiste au numérique
Et maintenant une rapide démonstration faite à l’Apple Store de ce que peut nous permettre de faire un iPad Pro grand format à l’heure actuelle en terme de gestion de partitions et de prise de note !
Comment avoir toutes ses partitions avec soi et partout !
Votre partothèque mobile
Bonjour et bienvenue sur le blog apprendre-a-jouer-du-piano.com.
Aujourd’hui je voulais vous parler de cette possibilité maintenant extraordinaire de pouvoir avoir toute une bibliothèque sur un engin comme ceci que je ne nommerais pas.
Bien sûr, c’est grâce à des applications. Moi j’utilise :
Il y en a pleins d’autres mais moi j’utilise ces deux-là.
Pourquoi je vous parle de ça aujourd’hui ?
C’est parce que je m’y suis mise il y a quelques mois et j’ai donc scanné tout mon répertoire et je l’ai mis sur ma tablette.
Et maintenant, où que j’aille, j’ai mes partitions avec moi. Même si je pars en vacances. Même si je n’ai pas de piano. J’ai tout mon répertoire avec moi. J’ai aussi tout le répertoire de mes élèves. J’ai aussi tout le répertoire que j’aimerais aborder.
Ça me permet :
Parce que je travaille aussi régulièrement mon piano juste en travaillant l’écoute et en jouant du piano dans ma tête.
Je vous conseille de le faire, c’est particulièrement efficace.
Bon bien sûr il faut avoir quelques années de piano parce qu’il faut que vous ayez déjà une mémoire de votre clavier et que vous connaissiez bien votre clavier avant d’avoir ce type de sensations.
Je voulais donc vous présenter ça et je sais qu’il y a quelques petites objections chez certaines personnes.
Le regret du papier
Ce n’est pas parce que j’ai tout mis sur ma tablette que maintenant je ne travaille pas sur partitions. Ce n’est pas du tout la même chose. Je travaille sur partition la plupart du temps.
Je travaille sur des partitions et j’ai aussi mes partitions que je photocopie parce que je ne travaille pas forcément sur la partition mais sur une photocopie à côté. J’ai le droit de faire la photocopie puisque j’ai la partition qui est achetée.
Je travaille sur papier pour pouvoir mettre mes doigtés.
Ça dépend des moments en fait.
Je choisis en fonction. L’un ne remplace pas l’autre à mon sens.
C’est trop petit
Effectivement, c’est plus petit qu’une page A4, mais sachez qu’on a la possibilité quand on l’oriente comme ceci de l’avoir exactement de la même taille qu’une feuille A4. Alors pas comme une partition classique, mais en tout cas avec une feuille A4.
Pour travailler, moi je trouve que ça me va très bien parce que je travaille en général des petits morceaux de la partition. Donc je me mets sur le petit morceau de la partition que je suis en train de travailler.
Ça me permet en plus du coup d’être complètement concentrée sur ce passage-là.
C’est vrai que cette histoire de taille est un souci qu’on peut régler en prenant des grandes tablettes.
Le fabriquant de la pomme en fait de la même grandeur pour les pros, de format A4. Vous pouvez donc avoir la même grandeur qu’une feuille de partition normale.
L’inconvénient à mon sens c’est que ça devient plus lourd à transporter. Et je trouve que la taille qui est juste un petit peu en-dessous suffit tout à fait.
Moi je ne travaille pas uniquement là-dessus sinon on finit par avoir les yeux qui tirent si on est trop en lecture et si on est trop dans le début de l’apprentissage.
Maintenant, rappelez-vous que sur une tablette on peut grossir. Et là du coup c’est même plus gros que sur une partition.
Donc si on a une mesure qui demande beaucoup de travail et beaucoup d’attention, on peut se concentrer uniquement sur celle-là. Et là pour moi c’est vraiment un bon atout parce qu’il est difficile parfois de se concentrer sur des passages quand on voit tout le reste à côté.
Si on est uniquement centré dessus et qu’on voit que celle-là, ça permet vraiment de vraiment plus se concentrer dessus.
Comment on passe les pages
Il suffit de tapoter comme ça l’écran en bas à droite. Et si on veut retourner, on tapote en bas à gauche.
Là il se trouve que j’ai qu’une seule page à la fois alors que sur ma partition normale j’ai évidemment 2 pages. Donc je vais être obligée de tourner la page plus souvent.
C’est vrai, mais on a maintenant des petites pédales.
Une pédale Bluetooth qu’on relie à la tablette. Si j’appuie à droite ça va tourner ma page à droite, et si j’appuie à gauche ça va tourner ma page à gauche.
Alors il faut un petit temps d’adaptation. Une vidéo arrive à ce sujet pour vous raconter comment j’ai fait pour apprendre tourner ma page avec mon pied gauche alors que mon pied droit fait un geste différent pour la pédale.
Et ça, au début je peux vous dire que c’est assez troublant. Mais c’est comme tout, ça s’apprend.
Et après on est vraiment libéré de la tourne de page.
Donc oui il faut la tourner plus souvent, par contre le pied permet de ne plus du tout avoir besoin des mains pour tourner la page. Je trouve ça assez chouette.
J’ai aussi la possibilité d’avoir les 2 pages en même temps qui s’affichent. Bien sûr c’est encore plus petit, mais l’avantage que j’y vois c’est de pouvoir travailler les enchaînements entre les pages.
Ce sont des choses qui, souvent quand on travaille, posent problème en fin de double page. Souvent on s’arrête à la fin de la double page et on travaille beaucoup moins souvent le lien avec la page d’après.
L’avantage là c’est que je peux soit le présenter avec les 2 premières pages, soit avec la 2ème et la 3ème page etc.
Donc je peux travailler les liens, ce qui n’est pas possible sur mon papier.
L’inconvénient, c’est pour les partitions qui ont beaucoup de reprises.
Là il faut vraiment beaucoup pédaler avec son pied gauche pour pouvoir passer les pages et parfois on a tendance à s’emmêler. Donc ça je pense qu’il y a un gros travail à faire si vous avez besoin de vous en servir.
Si vous jouez avec un groupe, un ensemble, on est obligé de tourner beaucoup les pages. Donc c’est très avantageux parce que vous n’avez pas forcément besoin de vous trimbaler avec toutes vos partitions. Par contre si vous avez beaucoup de reprises, là ça risque de vous faire tromper.
C’est un petit peu le revers de la médaille.
Comment on fait au niveau des doigtés
J’ai un stylet qui permet d’écrire directement dessus. On écrit vraiment très facilement et en plus on peut effacer aussi très facilement les doigtés, ou même les anciens doigtés qui ne nous plaisent pas.
Ce qui n’est pas possible sur une partition papier.
Donc je trouve ça vraiment chouette.
Si l’éditeur a mis un doigté dont je ne veux pas, je peux aussi l’effacer. Donc ça a une certaine souplesse le numérique que je trouve très appréciable. J’y vois vraiment beaucoup d’avantages.
Au lieu de se transporter des camions de partitions, on a tout dedans.
Comment je fais pour scanner ?
J’utilise une application qui s’appelle Scannable, qui est une application qui est maintenant publiée par Evernotes d’après ce que j’ai compris.
Une fois scanné, je la recadre simplement, je valide, je la nomme, et je l’enregistre où je veux.
Et je peux donc la retrouver sur mon application ForScore.
Ça me garde la qualité et en plus, avec les 2 applications, je peux réduire les côtés et gagner sur les côtés.
Le gros avantage c’est qu’on peut faire des listes.
Maintenant j’ai 702 partitions. Je vous laisse imaginer ce que ça peut faire si je transporte tout en papier.
702 partitions qui sont sur mon mur dans mes étagères ainsi que celle que j’ai sur le site IMSLP, qui est un site de partitions libres de droit.
La classification
Elles peuvent être classées par différentes manières :
Bref, tous les avantages du numérique.
C’est vraiment un bon atout, après libre à nous après de faire attention de ne pas nous laisser complètement happer par le numérique.
Ne pas oublier qu’au niveau des yeux on est très centré sur une petite zone et que de temps en temps il faut étirer les yeux sur les côtés.
Et puis bien sûr si par ailleurs on regarde beaucoup de films sur la tablette, sur le téléphone etc, on peut se courber et qu’il faut de temps en temps redresser la tête etc.
Ça a des inconvénients comme toute amélioration, à nous de nous adapter et de ne pas oublier de rester humain.
J’espère que cette vidéo vous a plu et qu’elle a répondu aux questions éventuelles que vous pourriez avoir.
Travaillez bien votre piano, abonnez-vous à la chaîne et allez faire un petit tour sur le blog.
Allez, au revoir !
Je réponds aujourd’hui à la préoccupation de Frédérique qui travaille le prélude op.3 n°2 de Rachmaninoff, et qui a du mal avec l’Agitato central…
Cela me donne l’occasion d’y parler encore du jeu dans la vitesse. Ah cette vitesse… elle nous donne bien du soucis quand on se focalise dessus ! C’est tellement frustrant d’essayer de se pousser sans succès, comme si on était devant un mur infranchissable !
Dans cette vidéo, je parle de :
Et voici le morceau joué par Rachmaninoff lui-même !
Travailler le prélude op.3 n°2 de Rachmaninoff
Bonjour et bienvenue sur le blog apprendre-a-jouer-du-piano.com.
Dans cette nouvelle année 2019, si vous me regardez en janvier 2019, et sinon bienvenue tout court.
Aujourd’hui je voudrais répondre à une question de Frédérique.
Frédérique est en train de travailler le prélude op.3 n°2 de Rachmaninoff. Elle a visiblement des problèmes dans l’agitato, la partie centrale.
Je rappelle un petit peu ce que c’est que ce prélude. Il s’agit de celui-ci.
Donc c’est un prélude où effectivement il y a une partie centrale qui est assez rapide et justement Frédérique a des problèmes dans cette partie centrale pour aller vite.
Elle me dit :
« Je me retrouve très souvent en difficulté avec cet agitato. J’ai beaucoup de mal à augmenter la rapidité tout en restant légère dans mes doigts. »
Alors justement souvent ce problème dans cet agitato parce que justement la partie avant et après et très très lente, est très lourde, et d’un seul coup il faut changer complètement de façon de faire au niveau physique et donc de tonicité musculaire.
Je vous conseille Frédérique, pendant toute cette première partie, même si c’est très lent et très lourd, il ne faut pas vous endormir musculairement.
Il faut vous préparer progressivement, au fur et à mesure que la page avance, un petit peu comme les chats avant de sauter. Ils sont très lents. Ils avancent etc, mais à l’intérieur il y a quelque chose qui monte, qui monte, qui monte, et au moment de partir Plaf ! Ils partent comme des fous.
Là c’est pareil.
Vous êtes en train de jouer ça, et en même temps à l’intérieur il y a quelque chose qui monte, qui monte, qui monte musculairement.
Alors ce n’est pas une crispation. C’est quelque chose qui va devenir de plus en plus réveillée, de plus en plus éveillée de l’intérieur.
C’est difficile à expliquer comme ça en une vidéo…
Quand vous arrivez à l’agitato, il y a un travail à faire. Je pars du principe pour cet agitato que vous avez les capacités physiques et techniques d’y arriver. J’espère que vous ne vous êtes pas lancée dans ce morceau alors que c’est très loin du niveau que vous êtes capable d’atteindre.
Ça c’est toujours une chose importante à rappeler.
Maintenant je vais rappeler quelques principes que j’ai donné dans une des dernières vidéos de l’année dernière qui était par rapport à la rapidité.
Pour cet agitato j’aurais envie de rappeler qu’avant tout :
Il faut déjà entendre les notes au tempo.
Si déjà vous avez du mal à l’entendre tranquillement dans une chaise en regardant la partition, forcément que vos doigts ne devront pas aller plus vite que votre écoute interne.
Ça c’est une chose sur laquelle j’insiste régulièrement.
Maintenant, il faut aussi réduire les gestes.
Plus vous allez aller vite, plus il faut réduire les gestes et jouer proche du clavier.
Ce qui est difficile pour la plupart des gens, c’est que dès qu’on réduit les gestes ça devient mou et imprécis et on dit que ça savonne.
Donc c’est quelque chose qui n’est pas facile à acquérir mais il faut vous entrainer à réduire tout en restant précis et réveillé du bout des doigts.
Maintenant, ne soyez pas focalisé sur ce problème de vitesse, au contraire.
Vous pouvez, pour travailler la vitesse de cet agitato, le travailler extrêmement lent.
C’est contre intuitif parce qu’on se dit que pour aller vite il faut s’entrainer à aller vite. Oui tout à fait, c’est vrai. C’est évident et logique.
Mais si en parallèle vous ne travaillez pas aussi régulièrement extrêmement lent, vous allez petit à petit rendre les choses de plus en plus imprécises.
Donc pour moi :
Et entre chaque je me repose. Je n’oublie pas ma noire qui est tenue. Et je fais ça temps par temps.
Après je peux faire mesure par mesure. Je me repose. Je reprends.
Vous pouvez le travailler avec ou sans pédale. Sans pédale ça permet d’être bien à l’écoute de toutes les notes. Ecoutez bien les doubles. C’est ça votre débit interne.
Il y a quelque chose de rythmique à suivre.
Si je n’arrive pas à aller jusqu’au premier temps, peut-être qu’il faut que je fasse les 2 derniers temps. Et je me repose entre chaque.
Parce que ça permet de reprendre son souffle. La vitesse pose souvent un problème d’endurance, et l’endurance ça s’entraine.
Quelqu’un qui va faire un marathon demain ne va pas y aller directement. Il va augmenter progressivement le temps de course pour y arriver.
Là c’est pareil. C’est un marathon donc on va aller progressivement, faire de plus en plus de notes rapides.
Mais vous voyez, je suis déjà au tempo, ou quasiment. Je me mets le plus vite possible au tempo.
J’écoute, même à l’avance comment vont sonner les notes, à l’avance. Je vais très lentement, à la base de l’écoute.
Je timbre. J’essaie de faire quelque chose de beau. Ce n’est pas un exercice sans musique.
Je vais extrêmement lent. Je peux même aller encore plus lent que ça.
Quand je dis lent, ça peut être extrêmement lent en prenant conscience de mon corps. Là je le fais en regardant la partition mais je pourrais très bien le faire par cœur après pour vérifier si mon par cœur est un vrai par cœur.
J’écoute à l’avance. J’essaie d’écouter à l’avance.
Maintenant, ce travail lent ne doit pas être mou.
Vous ne devez pas être comme ça en pensant à autre chose en se disant qu’on s’ennuie. « Qu’est-ce que c’est lent pff… Elle m’a demandé de jouer lentement mais alors qu’est-ce qu’on s’ennuie… pfiou… Je dors… »
Et musculairement mes coudes tombent etc. Non.
Je vais lentement, mais dedans ça va à toute vitesse. C’est-à-dire que je suis complètement réveillée. Mon doigt va toniquement au fond de la touche, même si c’est doux.
Je suis extrêmement réveillée. Et tout ce que je peux anticiper, de positionnement de doigts, je suis déjà positionnée sur la suite. Vous voyez ?
Hop, mon sol est positionné.
A la fois :
Parce que c’est un travail lent mais où il va y avoir tous les gestes du rapide dedans. Quand vous voulez aller rapidement il faut anticiper tous les gestes.
Donc même lentement vous allez anticiper. Et ces gestes par contre d’anticipation vont être extrêmement rapides.
S’il y a un déplacement, je suis positionnée directement. Mes notes arrivent lentement, par contre mes doigts se préparent à l’avance et sont pas lents.
Vous vous reposez.
On s’entraine vite, lent, mais réveillé, vite. Quelque part, vite je lâche plus que lentement. Je lâche prise beaucoup plus que lentement où je suis en train de tout surveiller, de tout regarder au lieu de penser à ce que je dois faire demain.
Là je me suis concentrée sur :
Maintenant bien sûr ce morceau, cet agitato, il faut que vous le compreniez de l’intérieur.
Pour moi ce n’est pas très intéressant ici mais plutôt que la plainte avec la basse. J’ai retiré les croches du centre. Et je peux travailler mes croches toutes seules.
Quand je veux chercher à être égale j’essaie de me concentrer sur le petit bruit « tac » du marteau qui doit être toujours le même sur chaque corde.
Dans cette mesure-là, on est troublé par le haut. C’est une mesure qui n’est pas du tout facile, pas agréable.
Il faut donc vraiment travailler peut-être cette partie-là en aller-retour entre les notes.
Il y aurait beaucoup de choses à dire mais là je vous donne des petites choses quand j’y pense.
Autre chose, travailler par accord rapidement justement.
Parce qu’il faut que votre main ait une position en partant qu’il va falloir qu’elle adopte le plus tôt possible, dès que la première note, dès que la noire arrive, tous les doigts doivent être positionnés sur les notes suivantes.
Donc par accord.
Vous jouez toutes les notes comprises dans un temps.
Quand vous ne pouvez pas, parce que moi j’ai une grande main, mais quand vous ne pouvez pas vous faites un arpégé. Ce n’est pas grave.
Ne travaillez pas fort. N’épuisez pas vos bras non plus à jouer trop fort.
C’est plus une précision qu’une force qu’il faut avoir.
Je pense que ça peut être utile aussi que :
Un petit exercice en dehors du piano auquel j’ai pensé.
Là-dedans il y a beaucoup de moments où vos doigts travaillent en latéralité. C’est-à-dire qu’ils doivent travailler comme ceci. Il y a beaucoup d’écartement l’air de rien dans cet agitato. La main se retrouve avec des positions comme ceci par exemple.
Donc il faut travailler les doigts en latéral.
Je vous conseille de mettre la main à plat et il faut que vos doigts aillent de gauche à droite comme ceci.
Vous essayez de travailler vos doigts en latéralité gauche – droite, le plus possible.
Vous pouvez aussi travailler l’écartement de vos doigts, l’étirement de vos doigts en respirant bien.
Faites attention, ce sont des petits os, des petits ligaments, des petits muscles. Donc il faut y aller doucement.
Etirez bien entre vos doigts. Etirez bien le pouce comme ceci. Etirez bien toute la main en vous mettant sur le coin d’un meuble. Bien étirer à l’intérieur de la paume. Il faut que votre main gagne le plus possible en souplesse et soit capable après en latéralité.
Après est-ce que vous arrivez à ce que vos doigts bougent comme ça ?
C’est extrêmement important dans cet agitato, notamment à la main droite bien sûr.
Donc voilà, je pense avoir fait le tour de ce que je pourrais dire si je vous avais en cours.
Bien sûr je ne vous connais pas Frédérique, donc il pourrait y avoir des choses sur lesquelles je passe à côté.
Il faut faire bien attention que ce morceau ne soit pas trop loin de votre niveau pour qu’il ne vous décourage pas.
D’accord ?
Faites attention parce que ça fait partie des tubes du piano classique. Donc je me méfie toujours quand quelqu’un me parle d’un tube, je me dis « Est-ce qu’il la prit parce qu’il aimait ce tube et qu’il n’a pas l’avis d’un professeur et ne sait pas si c’est de son niveau et s’est lancé comme ça ? Ou est-ce que réellement il a la possibilité et la capacité maintenant qui n’est pas trop loin du niveau du morceau et donc il va pouvoir se hisser à ce niveau-là »
Il faut bien comprendre que si vous êtes trop loin, c’est trop décourageant et vous ne pourrez pas. Alors que pendant ce temps-là vous pourriez faire d’autres morceaux plus faciles qui vous font travailler les mêmes éléments mais beaucoup plus de morceaux différents, et qui pourraient vous amener petit à petit à ce morceau-là.
Donc ne restez pas non plus des mois sur ce morceau-là. Si ça n’avance pas, lâchez-le, mettez-le de côté, faites une liste des morceaux que vous aimeriez absolument jouer, et mettez-vous sur d’autres morceaux qui vont faire travailler les mêmes éléments mais avec un niveau un peu plus facile, et changez. Changez de morceau. Mangez de la musique.
Il ne faut pas rester sur un ou deux morceaux dans l’année, mais au contraire multiplier les expériences musicales.
Et chacune des expériences va vous aider à monter progressivement vers là où vous voulez aller.
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Je vous donne ici une des mes astuces (même plusieurs… 🙂 je ne peux pas m’en empêcher) pour obtenir des traits de vélocité fluides, clairs et précis.
Je prends comme exemple un trait extrait de la première ballade de Chopin.
Une astuce toute simple pour les traits de vélocité
Bonjour à tous et bienvenue sur le blog www.apprendre-a-jouer-du-piano.com.
Aujourd’hui je voulais vous donner une astuce pour les traits de vélocité.
Alors je ne me suis pas beaucoup adressé jusqu’à présent aux personnes beaucoup plus avancées dans le piano, donc ça va venir un petit peu maintenant.
Les traits de vélocité qui sont le grand répertoire, souvent posent problème. Et quand on arrive dès la mesure qui précède en général on se dit « Ohlala… Bon bah je travaillerais ça demain ».
Il y a un moment, ce n’est pas à un moment d’ailleurs, il faut commencer par là. Il faut commencer dans les morceaux qui demandent beaucoup de vélocité. Il faut commencer par les passages difficiles bien sûr avant de trop s’amuser sur les passages faciles.
Pour ces traits de vélocité j’ai une petite astuce à vous donner.
Vous pourrez dire plein de choses mais là je vais vous donner juste une petite astuce.
Cette astuce est toute bête, toute simple. C’est de dire le nom des notes.
Vous prononcez à haute voix le nom des notes du passage en question.
Donc comme exemple, je vais vous prendre la première balade de Chopin, celle qui commence comme ceci.
Et sur la deuxième page, on a un passage à la fin du premier thème.
Je vais la prendre toute seule parce que là bien sûr autant d’habitude il faut faire attention de ne pas trop mettre les mains ensembles, autant là c’est évident qu’il y a besoin de faire un petit travail de main droite seule.
Donc cette main droite, on va dire le nom des notes comme ceci :
La – si – la – sol – la – sol – la – mi – fa – fa – sol – fa – mi – mi – do – la – si – ré – la – si – sol – la – fa – la – do – si – fa – fa – mi – ré – fa – fa – fa – sol – fa – mi – do
Alors on pourrait croire que cet exercice est un peu inutile. De dire le nom des notes. Mais en fait essayez-le parce que c’est extrêmement efficace.
Vous pouvez prendre conscience par là de toutes les notes que vous jouez un peu à moitié. Vous verrez, c’est impressionnant. Les passages que vous ratez, les passages où vous avez du mal à jouer avec les doigts, vous aurez du mal à dire le nom des notes.
Comme par hasard.
Donc ce n’est pas qu’une question de lecture de notes, c’est une question de prendre conscience de chaque note.
Est-ce que vous prononcez au doigt chaque note même si c’est très rapide, vous allez le voir en disant le nom des notes.
Ça tombera exactement sur les mêmes.
La – si – la – sol – la – sol – la – sol – mi – fa – fa – sol – fa – mi – ré – sol – ré – do – si – sol – fa – ré – mi – fa – fa – la – sol – fa – mi – do
Donc ça, c’est un excellent test pour repérer les doigts qui ne fonctionnent pas bien ou les notes dont vous n’avez pas pris suffisamment conscience.
Autre chose que je sais parce que j’en ai discuté avec des orthophonistes.
Il faut savoir que le fait de prononcer des choses de manière très articulée au niveau de la bouche va influer sur l’articulation de vos doigts.
Les orthophonistes l’utilisent mais à l’envers pour les personnes qui ont du mal à prononcer au niveau de la bouche. Ils vont faire travailler les doigts pour améliorer la diction.
Pourquoi, nous, on ne l’utiliserait pas mais à l’envers ?
Le fait d’articuler toutes les notes à la bouche, est-ce que ça ne nous permettrait pas d’articuler mieux au niveau des doigts ?
En tout cas moi je le vis au jour le jour.
C’est une chose que j’utilise très très régulièrement quand un passage savonne.
Vous savez ? C’est-à-dire qu’on sent que les notes boulent. Pour que ce soit précis et que chaque note ait sa place et transporte le discours musical, on a besoin d’avoir conscience, même si ce n’est pas une hyperconscience sinon vous ne pourrez pas aller vite, on a besoin d’avoir conscience que de passer par chaque note et qu’il n’y ait aucune note qui casse le discours et l’intention musicale.
Le trait c’est toujours quelque chose qui doit s’étirer sans jamais être cassé.
Et toute note qui est mal articulée au niveau du doigt ou mal conçu au niveau de la tête ça fait une fuite. Ça casse l’étirement du discours. D’accord ?
Donc ça c’est une chose, un bon outil. Utilisez-le au maximum dans les semaines qui vont venir et vous m’en direz des nouvelles.
Alors ensuite notre main droite va un petit peu mieux. Elle commence à savoir un petit peu mieux ses notes.
Donc maintenant il ne faut pas oublier assez vite de rajouter la main gauche bien sûr.
Là si je rajoute ma main gauche, il va falloir que je le fasse par élément de main gauche pour pouvoir coordonner les deux. D’accord ?
Sinon je risque d’avoir l’une qui fait quelque chose et l’autre qui est décalée par rapport à elle.
Donc on va faire, pour ici, noire par noire. D’accord ?
On va aller d’une noire à une autre noire et on va se poser dessus. Et on va faire attention à l’oreille qu’au niveau des rencontres ça tombe ensemble.
Alors vous si ce n’est pas des noires ça peut être autre chose. Mais vous allez d’un élément de la main gauche à un autre élément de la main gauche. D’accord ?
Comme ça vous allez d’une rencontre à une autre rencontre.
Puis vous prenez cette rencontre sur laquelle vous venez de terminer et vous allez de cette rencontre à une autre rencontre de main droite main gauche. Et ainsi de suite.
La sol mi fa fa la sol mi fa fa la sol mi fa fa
Fa sol fa mi mi do la si ré do si
Si sol fa mi mi ré do fa
Si sol fa ré mi mi fa
Si sol fa ré mi mi fa
Là il est bon…
Fa fa la
Fa fa la sol fa mi ré do
Fa fa la sol fa mi ré do
Ensuite, il va falloir accrocher la mesure d’avant.
Vous voyez ?
C’est toujours pareil. On isole un élément. Et une fois qu’il est isolé et bien travaillé, il faut le raccrocher avec les autres éléments.
Donc si on isole la main droite, on rajoute la main gauche. C’est un autre élément.
Et maintenant on rajoute avant le passage. Parce que je ne sais pas si vous avez remarqué, mais on peut travailler très bien un passage et après on reprend le morceau et on est incapable de le faire correctement alors qu’on vient de le travailler.
C’est très rageant.
Il faut juste rajouter les mesures d’avant.
Donc la mesure d’avant et ensuite les 2 mesures d’avant, et ainsi de suite. Vous pouvez partir à reculons pour vraiment englober dans la carrure globale le passage entier.
J’oubliais ! En comptant tout haut les temps aussi.
1 2 1 2 1 2 1 2 1 2 1
Moi je pense que déjà avec ça vous avez beaucoup d’outils, on pourrait dire d’autres choses bien sûr, mais déjà prenez le temps de faire ça.
Donc cette astuce toute simple vous l’avez comprise.
C’est le fait de lire le nom des notes et ça c’est une chose à laquelle je tiens énormément. Que vous sachiez lire vos notes.
Ce n’est pas inutile.
On a la chance dans les pays francophones d’avoir un système d’écriture, une façon de nommer les notes qui est syllabique. Donc elle nous permet, avec des consonnes et des voyelles de vraiment prendre en compte chaque note.
Chaque note est attaquée avec la consonne. Ça parait tout bête comme ça. Mais on a cette chance par rapport aux anglo-saxons qui le font à partir d’une lettre, où ils disent « b » « c » etc. là aussi il y a des choses qui s’articule. Mais pour eux ce n’est pas vraiment une syllabe vous voyez ?
Nous on a des syllabes qui nous permettent de nommer chaque note et que plusieurs notes fassent des mots, même si ce sont des mots qui sont musicaux.
Utilisons ce système-là pour pouvoir nommer chaque note et lui donner toute l’attention dont elle a besoin.
Vous le savez, si vous me suivez depuis déjà un certain temps, la lecture de note pour moi est un sujet très important, qui est souvent négligé ces derniers temps parce que le solfège n’a pas bonne tresse.
Sauf qu’en fait ça dépend tout à fait comment on le fait. Ça n’a rien de si rébarbatif que ça. Ça demande un effort, c’est sûr, mais si c’est pris pas à pas, si on ne brûle aucune étape, ça se passe très bien. Il n’y a pas de raison.
Il y a besoin de fournir des efforts mais les efforts donnent du résultat derrière. Si y’a pas de résultat, c’est que l’étape n’est pas bonne, c’est que vous avez sauté des étapes.
C’est comme ça dans tout apprentissage au niveau du piano, et partout d’ailleurs.
Si votre effort ne produit pas de résultat c’est que la méthode et les différentes étapes ne sont pas bonnes.
Ne restez pas des années à faire des choses qui ne fonctionnent pas. Par pitié !
Donc si vous voulez en savoir plus au sujet de la lecture de notes, la lecture des accords, la lecture verticale et tout ce qui est déchiffrage, sachez que je donne une conférence demain soir à 18H.
Donc là, si vous regardez cette vidéo après le 2 décembre il faudra attendre la suivante. Mais là aujourd’hui on est le samedi 1er décembre 2018.
Vous avez la possibilité d’assister à une conférence au sujet de la lecture de notes mais pour les pianistes. D’accord ?
Je ne parle pas du solfège en général.
Je parle de la problématique de la lecture des notes spécialement pour les pianistes.
Il y a besoin d’un travail spécifique pour eux.
Si ça vous dit et s’il n’est pas trop tard pour vous, à demain ! Inscrivez-vous en suivant le lien qui est en-dessous.
Sinon vous attendez la prochaine.
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Merci beaucoup, au revoir !